Dibujar o pintar con luz es todo un arte que nació prácticamente junto con la fotografía y es donde la creatividad es el factor fundamental.
La «pintura con luz» se puede definir como el movimiento manual de la luz en un espacio tridimensional, a lo largo del tiempo, durante una fotografía de larga exposición. Al igual que una hoja captura los trazos de un dibujante, el sensor de la cámara es simplemente el instrumento que registra los movimientos de la pintura de luz, . El movimiento de la luz, a través del espacio y a lo largo del tiempo es la forma de arte del Light Paiting. El arte está en lo que se pueda hacer con los trazos, destellos de luz, movimientos, etc… durante una exposición prolongada.
Light Painting se divide en 3 categorías básicas:
- Dibujo con luz (Light Drawing)
Dibujar con luz. Usando linternas u otras fuentes de luz, se van generando movimientos y estos son capturados por la cámara como líneas. En la mayoría de los casos la fuente de luz es vista por la cámara de forma directa. - Pintura con luz (Light Paiting)
Pintar con luz. Usando fuentes de luz como linternas, flashes, reflectores… se iluminan partes de la escena. En la mayoría de los casos la fuente de luz no es vista por la cámara de forma directa. - Pintura de luz cinética
Durante la exposición se mueve la cámara y se genera el movimiento.
Estas formas de generar imágenes sobre el sensor pueden combinarse. El denominador común en estas técnicas es que el artista está utilizando la «técnica fotográfica» de la fotografía de larga exposición para registrar la forma de arte de la pintura de luz.
La técnica
La parte técnica implica varias consideraciones, como la selección de la cámara, el lente, la configuración de la exposición y la selección de las fuentes de luz.
Para hacer fotos de Light Painting, se necesita una cámara con capacidad de exposición prolongada, ya que se necesita tomar una foto de varios segundos o incluso minutos. Los tiempos de exposición pueden ir desde uno a varios segundos. Es posible controlar el tiempo de exposición mientras se mantiene oprimido el botón de disparo. En este caso se debe seleccionar la opción BULB.
También es recomendable usar un trípode o un soporte para la cámara para evitar que la imagen salga borrosa debido a la vibración de la cámara.
En cuanto a la configuración de la exposición, es importante utilizar una apertura de diafragma pequeña (f/8 o superior) para aumentar la profundidad de campo (DOF) y tener todo el encuadre enfocado.
En cuanto a las fuentes de luz, se pueden utilizar diferentes herramientas como lámparas, linternas o LED para «pintar» en el aire mientras se toma la foto. Es importante experimentar con diferentes fuentes de luz y movimientos para crear efectos únicos y creativos.
Procedimiento
Lugar
Teniendo todo nuestro equipo, buscaremos un lugar tranquilo donde podamos trabajar por un largo rato sin interrupciones. Un fondo oscuro nos permitirá destacar más las luces. Las luces que puedan aparecer en la escena como luminarias, la luna, reflejos de la luz solar, etc… aparecerán más o menos dependiendo básicamente del tiempo de obturación.
Sensibilidad
Trataremos como siempre de usar una sensibilidad baja para evitar el ruido, lo importante en la mayoría de los casos es capturar poca luz, para tener mayor tiempo de exposición (Ley de Reciprocidad).
Obturación
Es muy importante determinar cuánto se va a demorar en hacer todo el dibujo para setearlo en la cámara. Esto puede no tener tanta importancia si en la escena no hay luces en el ambiente y todo será negro. Pero si cobra importancia al haber luminarias públicas, la luna, los reflejos del sol luego de ponerse en el horizonte, etc… Todo ello se irá sumando a lo largo del tiempo de obturación con cada vez mayor intensidad en nuestra toma final.
Si definimos que 10 segundos es ideal para capturar esa luz ambiente, luego nos veremos obligados a realizar nuestro dibujo en dicho tiempo.
Otra forma es trabajar en Bulbo, que consiste en exponer todo el tiempo en que se mantiene presionado el botón de obturación. El tiempo de obturación es indefinido, por lo que hay que tener cuidado en no transmitir vibraciones con nuestra mano a la cámara. Otra forma es utilizar disparadores remotos que tenga la capacidad de trabajar con bulbo que no todos poseen (al hacer un clic se abre, al hacer otro se cierra). Si vemos que la obturación ideal coincide con algún valor posible en nuestra cámara, es mejor pasarlo a dicho valor (velocidades inferiores a 30 segundos).
Trípode
Siempre será recomendable usar un trípode para sostener nuestra cámara. El mismo debe ser lo suficientemente robusto como para no vibrar siquiera con las ráfagas de viento. Al encuadrar es importante ver la escena y es probable que estemos trabajando de noche con lo cual es importante iluminar momentáneamente la escena.
Enfoque
Si definimos un sector donde vamos a realizar el acto de pintar con la luz, deberemos hacer foco a esa distancia y no variarla. Para ello lo mejor es hacer foco a dicha distancia y pasar el modo de enfoque a Manual. De esta forma evitamos cambiar luego el enfoque y ya sabemos que cualquier acción que realicemos a esa distancia estará bien enfocada a lo largo de las distintas tomas.
Para tener margen en el enfoque hacia adelante y atrás de la distancia de enfoque (profundidad de campo) necesitamos cerrar el diafragma. Esto hace que ingrese menos luz, pero muchas veces es lo que queremos lograr, tener más tiempo para trabajar en el dibujo o pintura. Una apertura a partir de f8 estará bien. Podemos usar una calculadora de DOF (Deep of Field o Profundidad de Campo) para saber bien que zona está enfocada.
Equipo de iluminación
Para iluminar se puede usar prácticamente cualquier cosa. Desde linternas, fuego, flashes, lámparas led, bengalas, virulana encendida, etc… Es interesante ir probando como se ve cada fuente de luz en la toma final. La velocidad con que movamos las fuentes de luz, como el diafragma que usemos, van a influir en el resultado final.
Historia de la pintura de luz | Fotografía de pintura de luz (lightpaintingphotography.com)
Algunos artistas a lo largo de la historia
Étienne-Jules Marey y Georges Demeny: Pintura de luz 1889
Étienne-Jules Marey y Georges Demeny se conocieron cuando Demeny se inscribió en un curso de fisiología impartido por Marey. Pronto se convirtieron en asociados cercanos. Juntos establecieron un programa de investigación que conduciría a la creación de la «Station Physiologique», que se inauguró en 1882 en el Bois de Boulogne. Marey y Demeny desarrollaron varias técnicas fotográficas para estudiar los movimientos de todo, desde humanos hasta caballos.
En 1889, Demeny conectó bombillas incandescentes a las articulaciones de un asistente y creó la primera fotografía de pintura de luz conocida «Pathological Walk From in Front».
Etienne-Jules Marey también fue el primero en escribir usando fotografía de larga exposición como se ve en esta imagen a continuación. Podemos considerar esto como la primera escritura ligera a pesar de que Marey no usó una fuente de luz para dibujar el texto, sino que usó una bola blanca en el extremo de un palo negro contra un fondo negro utilizando la luz reflejada de la superficie blanca de la bola para dejar las huellas en la imagen. ¡Posiblemente también el primer uso de luz reflejada y movimiento utilizado para crear una imagen!
Frank Gilbreth: Fotografía de pintura ligera, 1914
En el año 1914, Frank Gilbreth, junto con su esposa Lillian Moller Gilbreth, utilizó pequeñas luces y el obturador abierto de una cámara para rastrear el movimiento de los trabajadores de fabricación y administrativos. Los Gilbreth no crearon estas fotografías de pintura de luz como un esfuerzo artístico; En cambio, estaban estudiando lo que llamaron «simplificación del trabajo». Los Gilbreth estaban trabajando en el desarrollo de formas de aumentar la producción de los empleados y simplificar sus trabajos.
Vilho Setälä: Fotografía de pintura ligera 1928
El pionero fotográfico finlandés Vilho Setälä comenzó a experimentar con la fotografía a la edad de 14 años con una cámara de película 9×12. En 1927 Vilho adquirió una nueva «cámara de cine cinematográfica» y comenzó a explorar el campo de la «fotografía creativa», estas exploraciones llevaron a la imagen que se ve aquí conocida como «Electric Chandelier» de 1928. Electric Chandelier podría ser la primera pintura de luz cinética, lo que significa que la luz en la escena permanece estacionaria y la cámara se mueve para crear el diseño durante una exposición prolongada. Setälä continuó sus exploraciones creativas y finalmente abrió su propio estudio fotográfico en Helsinki en 1932, donde trabajó como fotógrafo profesional hasta 1945. Vilho también ayudó al fabricante alemán de cámaras Leica a desarrollar lentes después de «definir el efecto exacto de la apertura de la lente en el rango de nitidez de la imagen y grabar la escala de profundidad de campo en la cámara Leica».
Man Ray: Fotografía de pintura de luz, 1935
El primer artista en explorar la técnica de la pintura de luz fue Man Ray. Man Ray fue mejor conocido por su fotografía de vanguardia. Trabajó en varios medios diferentes, y se consideraba a sí mismo como un pintor por encima de todo. La contribución de Man Ray a la fotografía de pintura de luz llegó en su serie «Space Writing». En 1935 Man Ray instaló una cámara para producir un autorretrato. Abrió el obturador de su cámara y usó una pequeña linterna para crear una serie de remolinos y líneas en el aire. Círculos aleatorios y remolinos son todas estas fotografías que se pensaba que eran hasta que en 2009, una fotógrafa llamada Ellen Carey, sostuvo un espejo hacia el trabajo y descubrió que el dibujo de luz aparentemente aleatorio era en realidad la firma de Man Ray.
Wynn Bullock: Abstracciones de luz a finales de la década de 1930
A fines de la década de 1930, el fotógrafo Wynn Bullock estaba trabajando en su serie llamada Abstracciones de luz. Esta fue una serie en la que Wynn utilizó la luz reflejada, transmitida y refractada como tema de sus imágenes. A continuación se muestra la primera imagen conocida de un espirógrafo pintado a la luz.
Gjon Mili: Fotografía de pintura ligera, 1930-1940
El siguiente en la lista de pintores de luces es Gjon Mili. Gjon Mili nació en Albania y llegó a los Estados Unidos en 1923. Gjon se formó como ingeniero y fue un fotógrafo autodidacta. A mediados de la década de 1930, Mili, trabajando con Harold Eugene Edgerton del Instituto de Tecnología de Massachusetts (MIT), fue pionera en la fotografía con flash. Gjon usó luz estroboscópica para capturar el movimiento de todo, desde bailarines hasta malabaristas en una sola exposición. Sus técnicas de photoflash todavía se utilizan mucho hoy en día en la fotografía de pintura con luz. Mili utilizó esta técnica para estudiar el movimiento de bailarines, músicos y patinadores artísticos.
La creación de Mili del trabajo fotográfico con flash fue solo su primer regalo al mundo de la pintura de luz. En la década de 1940, Gjon colocó pequeñas luces en las botas de los patinadores sobre hielo, luego abrió el obturador de su cámara y creó lo que sería la inspiración para algunas de las imágenes de pintura de luz más famosas jamás creadas.
En 1949, mientras trabajaba para la revista Life, Gjon Mili fue enviado a fotografiar a Pablo Picasso en su casa en el sur de Francia. Mientras estaba allí, Mili le mostró a Picasso algunas de sus fotografías de pintura ligera de los patinadores artísticos. Pablo se inspiró de inmediato, Picasso tomó una linterna y comenzó a dibujar en el aire. Mili instaló su cámara y capturó las imágenes. Este breve encuentro dio lugar a lo que se conocería como los Dibujos de luz de Pablo Picasso. De todos estos dibujos, el más famoso es conocido como «Picasso dibuja un centauro».
Barbara Morgan: Fotografía de pintura ligera, 1940
Barbara Brooks Johnson nació el 8 de julio de 1900 en los Estados Unidos. Se graduó de UCLA en 1923, donde estudió dibujo figurativo y pintura. En 1925 Barbara se casó con Willard D. Morgan, un escritor que ilustraba sus propios artículos con sus fotografías. Barbara comenzó a ayudar a Willard con sus sesiones fotográficas, sin embargo, continuó pintando solo viendo la fotografía como una forma de documentar, no como un medio artístico. En 1935, con dos hijos pequeños, estaba buscando una manera de ser madre y artista. Mientras fotografiaba un icono de la fertilidad de Sudán y una máscara totémica de Costa de Marfil, Barbara descubrió que podía hacer que estas esculturas rituales parecieran amenazantes o benignas, simplemente controlando la iluminación. Esta fue su puerta de entrada para ver la fotografía como un medio artístico. Luego aprendió a procesar en el cuarto oscuro y comenzó a fotografiar bailarines. En 1940, en su búsqueda continua de hacer más con la fotografía, Morgan «comenzó a sentir el carácter penetrante y vibratorio de la energía de la luz como compañera de la energía física y espiritual de la danza, y como el principal motor del proceso fotográfico». De repente, decidí presentar mis respetos a la luz y crear un diseño de luz rítmica para el cordal del libro». Creó dibujos de luz gestual con una cámara abierta en su estudio oscuro.
Jack Delano: Fotografía de pintura ligera, 1943
En 1943, Jack Delano, un fotógrafo de la Administración de Seguridad Agrícola, utilizó una técnica de pintura de luz de obturador lento para capturar el movimiento de los trabajadores del ferrocarril y los vagones de ferrocarril mientras tomaba fotografías del ferrocarril Indiana Harbor Belt.
Andreas Feininger: Fotografía de pintura ligera, 1949
En febrero de 1949, otro fotógrafo de la revista Life creó algunas fotografías de pintura de luz. En 1939 el fotógrafo, Andreas Feininger, emigró a los Estados Unidos. En 1943 se unió al personal de la revista Life y en 1949 Andreas estaba en una asignación en Anacostia, Maryland, Feininger colocó su cámara en un trípode, abrió el obturador y produjo fotografías de pintura de luz de helicópteros despegando y aterrizando.
David Potts: Pintura de luz cinética
La pintura de luz cinética, también conocida como pintura de cámara, es el proceso de mover la cámara para crear un diseño dentro del marco durante una fotografía de larga exposición, las luces de la escena generalmente permanecen estacionarias (aunque no tienen que hacerlo). David Potts fue ampliamente reconocido por su fotografía de estilo documental en blanco y negro cuando comenzó a crear sus coloridas obras. David dijo: «Muy simple. Quería explorar lo que harían las películas en color disponibles». Estas obras son ligeramente anteriores a las elegantes composiciones coloristas de legendarios fotógrafos de LIFE como Ernst Haas. En su imagen de 1953, Potts transforma el familiar hito londinense en un remolino de mandala de color. «Tenía una cámara de visión Linhof 5×4 que le había comprado a Max Dupain con una parte posterior [de película] que giraba 360 grados. Simplemente quería ver qué le haría [a Piccadilly Circus] usar los movimientos de la cámara, darle la vuelta a la película, durante una larga exposición».
David Lebe: Dibujos de luz, 1976
En 1969, el fotógrafo David Lebe comenzó a experimentar con cámaras estenopeicas. Fue esta experimentación la que llevó a su revelación de que una fotografía no tenía que capturar solo un instante en el tiempo, sino que podía capturar un evento completo. En 1976, David estaba buscando un escape de su pequeño apartamento desordenado de Filadelfia, por lo que apagó las luces. En la oscuridad, David pudo imaginar los espacios más grandes que deseaba. Abrió el obturador de su cámara y comenzó a trabajar en el primero de su serie de dibujos de luz. Estas primeras imágenes fueron autorretratos donde David usó pequeñas luces para delinear su propio cuerpo.
Eric Staller: Fotografía de pintura ligera, 1976
Eric Staller podría llamarse el padre del graffiti ligero o dibujo de luz en su forma actual. Staller nació en 1947 en Nueva York. Estudió arquitectura en la Universidad de Michigan y se graduó con una licenciatura en 1971. Hacia el final de su tiempo en UOM, Eric comenzó a crear esculturas y piezas de arte de performance. De 1976 a 1980, Staller recorrió las oscuras calles de la ciudad de Nueva York creando fotografías de pintura de luz.
La serie «Light Drawings» de Eric podría ser la primera Light Art Performance Photographs jamás creada. Se podría argumentar que la serie «Space Writing» de Man Ray fueron las primeras piezas de performance de arte ligero, pero no hay duda de que las imágenes de Staller, como Light Tubes, Happy Street y Technicolor Torsos, evocan elementos del arte de performance. La serie «Light Drawings» de Eric es una de las series más influyentes sobre pintores de luz en la actualidad.